Confira a entrevista com Marty Friedman sobre os shows no Brasil

Dez horas da noite de uma sexta-feira não é nem de longe o melhor horário para realizar uma entrevista — exceto, é lógico, quando o entrevistado é alguém do calibre de Marty Friedman. Chamá-lo de um dos guitarristas mais revolucionários do metal nas últimas quatro décadas seria chover no molhado e, de certa forma, limitá-lo, haja vista a diversidade de estilos que explorou e continua explorando em sua frutífera carreira solo, iniciada bem antes de assumir o posto de braço direito de Dave Mustaine no Megadeth, em fevereiro de 1990, onde permaneceria por mais de dez anos.

O propósito de Friedman, 63, neste tão aguardado retorno ao Brasil para shows in facto — clínicas e workshops não contam, perdão — em São Paulo (11/11 – ingressos aqui) e Curitiba (12/11 – ingressos aqui) fica bem claro na entrevista curta, porém recheada de conteúdo, que você está prestes a ler. E, antes que eu me esqueça, boa leitura!

Você já tocou no Brasil em outras ocasiões, mas, desta vez, retorna com um show que abrange diferentes fases da sua carreira solo, inclui material do álbum Drama (2024) e revisita músicas do Megadeth. O que você aprendeu sobre o público brasileiro ao longo dos anos e o que pretende oferecer a quem comparecer aos shows desta vez?

Não quero que as pessoas pensem que vou tocar músicas do Megadeth, porque isso não é verdade. Não sei de onde tiraram essa informação. Adoro as músicas do Megadeth, não me leve a mal, mas o que farei no Brasil é tocar o meu álbum Scenes (1992) na íntegra. É o 34º aniversário do disco, e vou apresentá-lo por completo, além de muito material do álbum Drama e várias outras canções de toda a minha trajetória. Nunca se sabe o que mais pode aparecer, mas o foco principal é o Scenes na íntegra — algo que, aliás, nunca foi apresentado fora do Japão.

Como você define a ordem das músicas em um show como este? Você busca construir uma narrativa musical ou alterna, de forma deliberada, entre diferentes energias e atmosferas?

Bem, desta vez no Brasil, a situação é um pouco diferente, por conta do 34º aniversário do Scenes. Como mencionei, o foco principal é a execução desse álbum na íntegra. No entanto, como o disco tem cerca de 45 minutos de duração e nossas apresentações duram mais de uma hora e meia, haverá espaço para muitas outras músicas de diferentes fases da minha carreira. Pode ser qualquer coisa. Geralmente, toco faixas do meu trabalho mais recente — neste caso, o Drama —, especialmente aquelas que ganharam videoclipes ou que são mais conhecidas pelo público. Também incluo canções de álbuns anteriores que, ao longo dos anos, receberam a melhor resposta dos fãs durante as apresentações ao vivo. Portanto, este show abrangerá toda a minha trajetória, com um destaque especial para o Scenes.

Na turnê Live Drama, o conceito vai além da simples execução de solos; a interação entre os músicos e a movimentação da banda no palco também são partes integrantes do espetáculo. Como você escolhe, atualmente, os músicos que o acompanham, e o que você busca em uma formação capaz de sustentar uma música tão dinâmica?

Sinto que minha banda é bem diferente daquelas em que o protagonista — o frontman, por assim dizer — é um guitarrista. Não quero ser visto como um “guitar hero” instrumental com músicos de apoio atrás de mim. Quero que seja como um diamante de quatro pontas. É uma banda. Quando você nos vê tocar, não é um cara com quatro músicos ao fundo. Somos uma unidade, e cada um tem muito a oferecer e muito em que se concentrar. Eles não estão ali apenas para fazer um acompanhamento. Todos na minha banda são estrelas, e você perceberá isso ao vê-los tocar. Você pode vir para me ver, mas acabar pensando: “Meu Deus, o outro guitarrista é inacreditável!” ou “Aquele baterista é insano!”. Pode até ser que você esqueça que eu estava lá. É isso que vai acontecer, pode apostar.

Escolher os integrantes da banda é algo bem difícil porque, veja bem, eu preciso de estrelas. Quero que todos tenham a capacidade de brilhar como protagonistas durante o show. Eles não podem simplesmente ficar lá atrás tocando acordes ou algo do tipo. Eles precisam ser frontmen. Cada pessoa na banda é um frontman.

Você elogiou a banda de abertura, ASTERISM, e colaborou com eles na faixa “GYUTTO!!”. O que você percebeu na música deles que o tornou um fã instantâneo?

A energia foi a primeira coisa que notei, e a habilidade técnica deles era impressionante — algo fora do comum. Eles também possuem uma energia muito jovial. Trabalhei bastante com eles no Japão: compusemos uma música juntos, participamos de programas de TV e vídeos, fizemos shows e realizamos todo tipo de atividade. Eles são muito jovens, cheios de energia e talento, mas o mais importante é que eles têm “fome” — um desejo intenso de crescer. Eles se esforçam muito para continuar criando coisas novas e enfrentando novos desafios, e isso é fundamental para mim. Sinto que muitos músicos mais velhos, ou pessoas da minha geração, tendem a se apegar apenas ao seu repertório antigo. Eles não querem fazer nada novo; preferem se acomodar no que já realizaram no passado. É algo muito voltado à nostalgia. Já os músicos jovens como o ASTERISM, que estão na casa dos 20 anos, têm essa “fome”. Eu sempre fui exatamente assim: sempre tive sede de novidades.

Portanto, apresentar material novo — incluindo faixas do álbum Drama e canções que o público ainda não conhece —, combinado com músicas do meu passado, como as do álbum Scenes, tornará estas noites únicas. O ASTERISM é uma parte essencial disso, e acredito piamente que a energia deles vai ressoar muito bem com o público brasileiro.

Você enxerga, nesta geração, uma relação com a técnica e a energia instrumental semelhante à que você e Jason Becker buscavam na época do Cacophony?

Eu diria que sim. Jason Becker e eu estávamos apenas tentando criar algo que nunca tinha sido feito antes. Sempre existiram muitos guitarristas excelentes, mas nós queríamos experimentar algo diferente. Para ser sincero, não nos importávamos tanto se o resultado era “bom” ou não; o que queríamos era ouvir algo novo. Esse era o ponto principal. É claro que, nesse tipo de abordagem, havia acertos e erros, mas, às vezes, surgiam verdadeiros “acidentes brilhantes”. Era isso que buscávamos.

Com o ASTERISM é a mesma coisa: eles estão constantemente desafiando a si mesmos. Outro ponto em que eles se assemelham a mim e ao Jason é que a música era a única coisa que nos importava. Nós vivíamos e respirávamos música. Quando eu e o Jason fazíamos isso, tínhamos mais ou menos a idade dos integrantes do ASTERISM. Hoje, sinto exatamente a mesma coisa que sentia naquela época — o que é um tanto incomum para um guitarrista da minha idade. A maioria dos caras da minha geração quer sossegar, e eu entendo isso; mas, no meu caso, novos desafios e novas experiências musicais me deixam empolgado. Toda oportunidade de fazer algo novo é excelente para mim.

No ano passado, por exemplo, quando vim ao Brasil com o Kiko Loureiro, foi algo totalmente novo. Aprendi e toquei músicas brasileiras ao lado de um grande guitarrista brasileiro, aí mesmo, no Brasil. Foi um conjunto de desafios completamente inédito. Quando soube que havia essa possibilidade, pensei: “Legal, pode contar comigo!”. É tudo uma questão desse tipo de energia. Eu a tenho, o ASTERISM a tem, e eu e o Jason Becker também a tínhamos quando tocávamos juntos.

Sua música “For a Friend”, dedicada a Jason Becker, costuma encerrar os shows da Live Drama. O que essa composição significa para você hoje?

Quando a escrevi, não era necessariamente sobre o Jason. Era sobre todos os meus amigos e a saudade que sinto deles, já que moro muito longe de muitos deles. Ainda os considero uma parte muito importante da minha vida, e sei que não sou o único que vive longe dos amigos. Conforme a gente envelhece e termina o ensino médio, as pessoas acabam seguindo caminhos diferentes. Esses laços de amizade são muito importantes.

A música foi uma forma de traduzir em som o sentimento de que, mesmo que a gente não se veja com a mesma frequência de quando estávamos na escola, você continua sendo importante para mim. Ainda penso em você e no que o tempo que passamos juntos significou. Ninguém ocupou o seu lugar na minha vida. Entende o que quero dizer? Cada amigo ocupa um lugar único em nossas vidas, e a música foi, simplesmente, uma expressão desse sentimento.

Depois, quando comecei a tocá-la ao vivo, percebi que Jason era a pessoa para quem eu a havia escrito — mais do que para qualquer outra. Quando comecei a contar isso ao público, a reação foi muito positiva; as pessoas entenderam. Espero ter levado cada um na plateia a pensar em um amigo seu, pois todos nós temos um “Jason” em nossas vidas — um amigo, um familiar, um mentor, um professor ou alguém de quem sentimos falta. Acredito que explicar que a música era sobre Jason ajudou as pessoas a compreendê-la ainda melhor.

Quando Scenes foi lançado, em 1992, você já fazia parte do Megadeth e tinha acabado de participar de Countdown to Extinction. Enquanto a banda trabalhava com riffs pesados ​​e estruturas concisas, seu álbum solo seguiu uma direção mais contemplativa e atmosférica. Você via esses trabalhos como expressões complementares da sua personalidade musical ou como universos completamente distintos?

Ambos. Essa é uma ótima pergunta, Marcelo. O fato é que eu estava no Megadeth, uma das maiores bandas de heavy metal do mundo, e estávamos tocando heavy metal praticamente no seu auge. Não dá para ficar muito melhor do que isso. Então, quando chegou a hora de fazer um álbum solo, não fazia sentido tentar tocar metal, já que eu já estava em uma grande banda de metal. Em vez disso, quis explorar um lado mais pessoal da minha música, algo que não lembrasse em nada o Megadeth: um lado bem romântico, orquestral e atmosférico.

Percebi que, no Brasil e em toda a América Latina, os fãs de hard rock e heavy metal — até mesmo os de death metal — também parecem ter um lado romântico em seus gostos musicais. Talvez isso ocorra porque a música está profundamente enraizada na cultura do Brasil e de outros países latino-americanos, onde as pessoas não têm receio de abraçar também a música romântica. Nos Estados Unidos, não temos exatamente essa mesma base; é basicamente metal, com pouca influência de outras vertentes. Poder expressar esse lado romântico, orquestral e apaixonado da minha música em um lugar como o Brasil, ao lado do meu material mais pesado, me proporciona uma liberdade de expressão que não vivencio da mesma forma em outros países. Isso me deixa muito, muito feliz.

A participação de Kitaro na produção de Scenes é particularmente interessante, considerando sua trajetória na música eletrônica e new age. O que você aprendeu com essa colaboração — sobre arranjos, timbres e a criação de atmosferas — que talvez não tivesse descoberto se trabalhasse exclusivamente com músicos de metal?

Mais uma ótima pergunta. O que Kitaro trouxe para o álbum foram muitos sons atmosféricos, percussão e elementos rítmicos de sintetizador. Nada de batidas grandiosas ou algo do tipo; apenas detalhes sutis, como sons de gotas de chuva ao fundo e pequenos arpejos de sintetizador que revelaram possibilidades melódicas nas quais eu não teria pensado por conta própria. Eu mesmo fiz todos os arranjos, mas ele cuidou de grande parte do trabalho com os sintetizadores — foi aí que a sonoridade geral do álbum ganhou sua forma final. Grande parte da identidade final do disco veio dele. Aprendi muito sobre como adicionar pequenos elementos rítmicos a certas partes — às vezes algo tão simples quanto um pandeiro. Eram detalhes que jamais me teriam ocorrido antes, e, desde então, venho utilizando essas ideias dele há décadas.

Você concorda que Drama revisita elementos de Scenes?

Com certeza. Mas evoluí tanto desde aquela época que, hoje, Scenes parece uma versão extremamente primitiva de Drama. Por isso, como guitarrista, apresentar os dois álbuns no mesmo show é um desafio único. Preciso resgatar a pessoa que eu era há 35 anos, sem deixar de ser quem sou hoje, em 2026. É empolgante poder fazer isso, como guitarrista, diante de uma plateia.

Em que momento você percebeu que o domínio técnico do instrumento não era suficiente para expressar tudo o que você desejava transmitir musicalmente?

Essa é uma ótima pergunta para encerrar. Diria que, quando você faz um teste para entrar em uma banda — qualquer banda —, percebe que a questão não é tanto o domínio técnico. Trata-se de aspectos que não dá para treinar. O domínio técnico é algo que se pressupõe; todo artista ou músico deve ter um bom controle sobre o que é capaz de executar em seu instrumento. Não é preciso ser um virtuoso, mas é fundamental ser bom no que se faz. No entanto, o que realmente garante trabalhos no mundo real tem mais a ver com sua personalidade, sua abordagem pessoal, sua ética de trabalho e a forma como você interage com outros músicos e os escuta. Aprendi isso bem cedo, por volta dos meus 25 anos.

Por Marcelo Vieira